Franz Kline
Es un nombre clave en la pintura de Nueva York y en el expresionismo abstracto. kline da el paso desde un sentido constructivo de la composición, con un dialogo espacial entre el blanco y el negro que constituirá su seña mas personal, la tensión entre dos opuestos equivalentes e intercambiables. Ese juego va dando paso a estructuras mas complejas en su pintura, el equilibrio se desplaza donde el artista no busca, tanto presentar sino reflejar su propia confrontación con el entorno, la relación existente entre sus bocetos y su obra final nos sitúa a kline muy lejos de aquellos miembros de su entorno generacional siendo la obra un mero residuo de esa vivencia. Es un dialogo con su propia identidad conflictiva, una evolución de esa ciencia dramática en su confrontación con el lienzo. Con la concentración en el blanco y el negro se libera del lenguaje cromático ampliamente cargado de connotaciones por la tradición pictoricista, aunque en las últimas obras introduce algo más de color. Con el paso a la década de los 60 alcanza la plenitud con cuadros más grandes pintando la estructura de su identidad.
lunes, 16 de febrero de 2009
Video : GUSTAVO TORNER
Video : GUSTAVO TORNER
Perteneciente a la generación abstracta española. Sus primeras obras toman como tema la naturaleza, y posteriormente encontraremos que el interés por el mundo natural es una constante en toda su obra. Comienza una etapa artística dentro de la corriente informalista, en la que los conceptos quedan expresados por medio de los materiales que se emplean, y especialmente las texturas, sin que existan referencias figurativas. Sus obras esconden el misterio del mundo, la materia se materializa provocando en nosotros un lenguaje visual, que nos divide varios espacios, sus obras crean un lenguaje por si mismas donde existen varios niveles de materias, ritmos misteriosos que poco a poco se acercan a la realidad, existe una armonía entre el color y la forma que poetizan lo esencial. Al mismo tiempo, Gustavo Torner comienza a realizar obras escultóricas elaboradas con acero. Esta actividad escultórica ocupó gran parte de su actividad. Se trata, por lo general, de obras de gran tamaño y formas geométricas simples, realizadas a partir de todo tipo de materiales, y explorando las posibilidades de diversas texturas. sus esculturas son como espacio habitables . Esta simplicidad geométrica no conlleva simplicidad técnica. La obra es en estos casos es un elemento que trata de llevar una idea al espectador, pero no por la simple observación pasiva de este, sino a través de una reflexión. Gustavo Torner nos muestra en sus obras una visión poética y sintética de la naturaleza que nos recuerda la majestuosidad del la naturaleza ante el hombre a través de sus materializaciones.
Perteneciente a la generación abstracta española. Sus primeras obras toman como tema la naturaleza, y posteriormente encontraremos que el interés por el mundo natural es una constante en toda su obra. Comienza una etapa artística dentro de la corriente informalista, en la que los conceptos quedan expresados por medio de los materiales que se emplean, y especialmente las texturas, sin que existan referencias figurativas. Sus obras esconden el misterio del mundo, la materia se materializa provocando en nosotros un lenguaje visual, que nos divide varios espacios, sus obras crean un lenguaje por si mismas donde existen varios niveles de materias, ritmos misteriosos que poco a poco se acercan a la realidad, existe una armonía entre el color y la forma que poetizan lo esencial. Al mismo tiempo, Gustavo Torner comienza a realizar obras escultóricas elaboradas con acero. Esta actividad escultórica ocupó gran parte de su actividad. Se trata, por lo general, de obras de gran tamaño y formas geométricas simples, realizadas a partir de todo tipo de materiales, y explorando las posibilidades de diversas texturas. sus esculturas son como espacio habitables . Esta simplicidad geométrica no conlleva simplicidad técnica. La obra es en estos casos es un elemento que trata de llevar una idea al espectador, pero no por la simple observación pasiva de este, sino a través de una reflexión. Gustavo Torner nos muestra en sus obras una visión poética y sintética de la naturaleza que nos recuerda la majestuosidad del la naturaleza ante el hombre a través de sus materializaciones.
Texto: Mondrian
Texto: Mondrian
Este texto hace un repaso de las algunas de las obras de Mondrian, este celebre pintor considerado por algunos como un artista frió y doctrinario, presenta en su obras muchas de las claves para construir un orden equilibrado con muy pocos elementos, mayoritariamente rectos. Su fuerza y precisión son cualidades que podemos observar con tan solo contemplarlos. Mondrian se caracteriza según unos periodos sus obras anteriores al constructivismo abstracto eran impresionistas románticas, líricas, visionarias y simbólicas sin embargo en los últimos años de su vida , después de su estilo de carácter rígido e intelectual sus pinturas se volvieron sensuales y amenas. El objetivo de Mondrian según su propio escrito era el de crear un arte de “relaciones puras” estas habían estado “veladas” por la pintura antigua que con sus detalles provocaban la distracción del espectador. Haciendo un repaso por su obra encontramos Composición en blanco y negro un diseño complejo con asimetrías de líneas desiguales sutilmente equilibradas, la forma rómbica del cuadro nos induce a pensar que el cuadro se extiende por una superficie imaginativa mas allá del lienzo, la superposición de formas nos indica profundidad además despierta en nosotros otra forma de intuición espacial, nuestra respuesta a las formas incompletas en el texto esta obra es comparada con otra obra figurativa de Degas que puede considerarse un símil en cuanto a percepciones y criterios estéticos de la composición de Mondrian con ciertas características de Degas es el fin de mostrar la continuidad de la pintura abstracta con el arte figurativo. Otra composición de Mondrian es comparable con otra obra figurativa es el caso de una litografía de Bonard los dos comparten un gusto por lo sencillo, lo regular y lo asimétricamente equilibrado. Mas tarde Mondrian experimentó con el cubismo un arte que le liberó de las imágenes simbólicas patentes así como de las reproducciones líricas de la naturaleza que le hicieron concebir su arte como si en esencia fuera una actividad constructiva a base de formas elementales. En otras de sus obras vemos las unidades moleculares dispersas, las series repetidas de colores primarios como en su fase neoimpresionista y la composición de grandes cuadros aplicados como si fueran planos de color independientes. Sus pinturas dan una sensación de estabilidad y fuerza es de destacar además la obra Broadway Boggie- wogie equivalente pictórico de los bullicios ritmos y sonidos de la escena de Manhatan. En resumen el texto hace un resumen de la obra de Mondrian comparada con la de otros autores figurativos que comparten con él, tensiones y ritmos.
Este texto hace un repaso de las algunas de las obras de Mondrian, este celebre pintor considerado por algunos como un artista frió y doctrinario, presenta en su obras muchas de las claves para construir un orden equilibrado con muy pocos elementos, mayoritariamente rectos. Su fuerza y precisión son cualidades que podemos observar con tan solo contemplarlos. Mondrian se caracteriza según unos periodos sus obras anteriores al constructivismo abstracto eran impresionistas románticas, líricas, visionarias y simbólicas sin embargo en los últimos años de su vida , después de su estilo de carácter rígido e intelectual sus pinturas se volvieron sensuales y amenas. El objetivo de Mondrian según su propio escrito era el de crear un arte de “relaciones puras” estas habían estado “veladas” por la pintura antigua que con sus detalles provocaban la distracción del espectador. Haciendo un repaso por su obra encontramos Composición en blanco y negro un diseño complejo con asimetrías de líneas desiguales sutilmente equilibradas, la forma rómbica del cuadro nos induce a pensar que el cuadro se extiende por una superficie imaginativa mas allá del lienzo, la superposición de formas nos indica profundidad además despierta en nosotros otra forma de intuición espacial, nuestra respuesta a las formas incompletas en el texto esta obra es comparada con otra obra figurativa de Degas que puede considerarse un símil en cuanto a percepciones y criterios estéticos de la composición de Mondrian con ciertas características de Degas es el fin de mostrar la continuidad de la pintura abstracta con el arte figurativo. Otra composición de Mondrian es comparable con otra obra figurativa es el caso de una litografía de Bonard los dos comparten un gusto por lo sencillo, lo regular y lo asimétricamente equilibrado. Mas tarde Mondrian experimentó con el cubismo un arte que le liberó de las imágenes simbólicas patentes así como de las reproducciones líricas de la naturaleza que le hicieron concebir su arte como si en esencia fuera una actividad constructiva a base de formas elementales. En otras de sus obras vemos las unidades moleculares dispersas, las series repetidas de colores primarios como en su fase neoimpresionista y la composición de grandes cuadros aplicados como si fueran planos de color independientes. Sus pinturas dan una sensación de estabilidad y fuerza es de destacar además la obra Broadway Boggie- wogie equivalente pictórico de los bullicios ritmos y sonidos de la escena de Manhatan. En resumen el texto hace un resumen de la obra de Mondrian comparada con la de otros autores figurativos que comparten con él, tensiones y ritmos.
Video : Popova
Video : Popova
Popova formó parte de los miembros principales de la vanguardia. Prestó gran atención al color y al espacio interesándose por el valor arquitectónico del cuadro. Hacia 1889 su estilo denota una influencia del impresionismo alemán y el cubismo francés sus obras muestran una tremenda energía de ejecución, la figura humana se fragmenta para ser reconstruida, esto deriva del cubismo, prestando mucho interés por la propia figura y su construcción, en obras posteriores se acerca a lo cubo futurista, fondo y figura se entremezclan, y se muestran rasgos del futurismo, además de una cierta experimentación con el retrato, además añade a sus obras arena o polvo. En cuanto a los temas utiliza el bodegón con elementos musicales. Algunas de sus formas son representadas en 3D esto se encuentra a medio camino entre la figuración y la abstracción. Entre 1916-1918 destaca la serie de pinturas no-objetivas llamadas arquitectura pictórica, constituyen una respuesta muy flexible y sensual que nos remite el suprematismo de Malevich. Rechaza la cualidad perspectivista del color lo que apunta a una concepción de la pintura como un arte de superficie alejado del papel tridimensional, los colores, la energía y la textura delimitan el espacio pictórico. Además Popova se preocupaba mucho por la línea, con elementos lineales definidos por los planos de color, entramos en una nueva fase del constructivismo, con un conocimiento de la producción real, un arte para las masas.
Popova formó parte de los miembros principales de la vanguardia. Prestó gran atención al color y al espacio interesándose por el valor arquitectónico del cuadro. Hacia 1889 su estilo denota una influencia del impresionismo alemán y el cubismo francés sus obras muestran una tremenda energía de ejecución, la figura humana se fragmenta para ser reconstruida, esto deriva del cubismo, prestando mucho interés por la propia figura y su construcción, en obras posteriores se acerca a lo cubo futurista, fondo y figura se entremezclan, y se muestran rasgos del futurismo, además de una cierta experimentación con el retrato, además añade a sus obras arena o polvo. En cuanto a los temas utiliza el bodegón con elementos musicales. Algunas de sus formas son representadas en 3D esto se encuentra a medio camino entre la figuración y la abstracción. Entre 1916-1918 destaca la serie de pinturas no-objetivas llamadas arquitectura pictórica, constituyen una respuesta muy flexible y sensual que nos remite el suprematismo de Malevich. Rechaza la cualidad perspectivista del color lo que apunta a una concepción de la pintura como un arte de superficie alejado del papel tridimensional, los colores, la energía y la textura delimitan el espacio pictórico. Además Popova se preocupaba mucho por la línea, con elementos lineales definidos por los planos de color, entramos en una nueva fase del constructivismo, con un conocimiento de la producción real, un arte para las masas.
video: Gerhard Richter
Gerhard Richter
El video nos muestra una visión de la exposición retrospectiva de la obra de arista germano desde 1962-1992 su trayectoria se caracteriza por un opuesto entre dos vías diversas que llegan, hasta a convertirse en antagónicas .Sus inicios se acercan al pop, con gran carga antiartística, durante el periodo de los primeros años 60 realiza obras con motivos inspirados en imágenes recogidas en los medios de masas, usando fotografías como base de sus pinturas. Utiliza las fotografías las manipula ofreciéndoles un grado de desenfoque y temblor muy característico de su obra. A inicios de la década de los años setenta, evolucionó para una pintura monocromática sobria que evocaba la corriente minimalista, pero con una diferencia significativa en lo que respecta al objetivo y al sentimiento. A partir de los 80 realiza un gran número de series con importante cromatismo, como contrapunto, el peso de los contenidos se deja sentir, su voluntad moral impregna su obra (conflicto Alemán), en sus últimas obras claramente abstractas podemos apreciar el relato superpuesto de las distintas capas de color, también de orden moral. Es de destacar la gran amplitud de su obra que incluye estilos diferentes y contrarios pero que el artista consigue incluso, que lleguen hasta complementarse entre si.
El video nos muestra una visión de la exposición retrospectiva de la obra de arista germano desde 1962-1992 su trayectoria se caracteriza por un opuesto entre dos vías diversas que llegan, hasta a convertirse en antagónicas .Sus inicios se acercan al pop, con gran carga antiartística, durante el periodo de los primeros años 60 realiza obras con motivos inspirados en imágenes recogidas en los medios de masas, usando fotografías como base de sus pinturas. Utiliza las fotografías las manipula ofreciéndoles un grado de desenfoque y temblor muy característico de su obra. A inicios de la década de los años setenta, evolucionó para una pintura monocromática sobria que evocaba la corriente minimalista, pero con una diferencia significativa en lo que respecta al objetivo y al sentimiento. A partir de los 80 realiza un gran número de series con importante cromatismo, como contrapunto, el peso de los contenidos se deja sentir, su voluntad moral impregna su obra (conflicto Alemán), en sus últimas obras claramente abstractas podemos apreciar el relato superpuesto de las distintas capas de color, también de orden moral. Es de destacar la gran amplitud de su obra que incluye estilos diferentes y contrarios pero que el artista consigue incluso, que lleguen hasta complementarse entre si.
video: BRICE MARDEN
BRICE MARDEN
Decepcionado por el perfil que tomaba su vida y su obra, decidió dar un cambio positivo dejando las drogas, el alcohol y retirándose de la ciudad para evadirse, fue entonces cuando tomó como referencia para su obra los poemas del poeta chino Fría Montaña, De aquí surge su exposición igualmente titulada Fría Montaña, con obras carentes de color y semejantes en su forma, que se asimilan a la caligrafía oriental. Se interesó por la pintura abstracta escogiendo como modelo a Jackson Pollock.
Según Brice Marden, él no entiende ni chino ni japonés lo único que le interesa es el pensamiento estético, la espontaneidad, la captación de una armonía en la obra. En sus obras predomina el contraste entre el blanco y el negro, así como la dedicación al dibujo que esta presente en toda su carrera artística. En algunas de sus cuadros lo que le interesa es mostrar varios aspectos de la naturaleza en el mismo dibujo.
En su obra podemos encontrar además un homenaje a Goya y Zurbaran a los que admira junto a Pollock y Cézanne.
En su trayectoria hay un cambio en el tamaño de sus obras que da lugar a la aparición de de figuras.
Decepcionado por el perfil que tomaba su vida y su obra, decidió dar un cambio positivo dejando las drogas, el alcohol y retirándose de la ciudad para evadirse, fue entonces cuando tomó como referencia para su obra los poemas del poeta chino Fría Montaña, De aquí surge su exposición igualmente titulada Fría Montaña, con obras carentes de color y semejantes en su forma, que se asimilan a la caligrafía oriental. Se interesó por la pintura abstracta escogiendo como modelo a Jackson Pollock.
Según Brice Marden, él no entiende ni chino ni japonés lo único que le interesa es el pensamiento estético, la espontaneidad, la captación de una armonía en la obra. En sus obras predomina el contraste entre el blanco y el negro, así como la dedicación al dibujo que esta presente en toda su carrera artística. En algunas de sus cuadros lo que le interesa es mostrar varios aspectos de la naturaleza en el mismo dibujo.
En su obra podemos encontrar además un homenaje a Goya y Zurbaran a los que admira junto a Pollock y Cézanne.
En su trayectoria hay un cambio en el tamaño de sus obras que da lugar a la aparición de de figuras.
video: Agnes Martín
Agnes Martín
Procedente del museo Whitney de Nueva York es la muestra retrospectiva 1960-1994, donde se pueden ver varios ciclos de la gran pintora dentro del minimalismo y la explotación de las formas geométricas elementales, todo ello impregnado con un contrapunto muy personal, que llega hasta un orden místico.
En los primeros años 60 su pintura explora varias vías, estas les llevaran a un territorio propio, con influencias de dos grandes maestros, Rodcko y Malevich, en una propuesta de depuración las construcciones geométricas, que formaran el gran periodo de la artista con dos grandes obras representativas Canción y Azul candente, a través de la retícula su pintura ofrece un espacio sin jerarquizar y tensiones de un vació intemporal, la geometría parece fundirse en la atmósfera de color, presencia de un orden latente.
A mediados de los 60 alcanza su madurez tras la pintura mística de los primeros años y su trabajo obtiene reconocimiento, en 1967 abandona la pintura retirándose de la vida pública. Tras tres años de eclipse decide volver a pintar, comienza aquí su segundo gran periodo donde la tela se ordena con retículas con una atmósfera mas serena y un lenguaje capaz de expresar lo que esa conciencia despierta, la pintura quiere convertirse en anhelo de las palabras de las artista.
Procedente del museo Whitney de Nueva York es la muestra retrospectiva 1960-1994, donde se pueden ver varios ciclos de la gran pintora dentro del minimalismo y la explotación de las formas geométricas elementales, todo ello impregnado con un contrapunto muy personal, que llega hasta un orden místico.
En los primeros años 60 su pintura explora varias vías, estas les llevaran a un territorio propio, con influencias de dos grandes maestros, Rodcko y Malevich, en una propuesta de depuración las construcciones geométricas, que formaran el gran periodo de la artista con dos grandes obras representativas Canción y Azul candente, a través de la retícula su pintura ofrece un espacio sin jerarquizar y tensiones de un vació intemporal, la geometría parece fundirse en la atmósfera de color, presencia de un orden latente.
A mediados de los 60 alcanza su madurez tras la pintura mística de los primeros años y su trabajo obtiene reconocimiento, en 1967 abandona la pintura retirándose de la vida pública. Tras tres años de eclipse decide volver a pintar, comienza aquí su segundo gran periodo donde la tela se ordena con retículas con una atmósfera mas serena y un lenguaje capaz de expresar lo que esa conciencia despierta, la pintura quiere convertirse en anhelo de las palabras de las artista.
video: Clyfford Still
Video: Clyfford Still
En la década de los treinta, Clyfford Still inspirado por los trabajos de Cézanne y Van Gogh, pinta figuras y paisajes abstractos, y en sus primeras obras aparecen muchas influencias, del cubismo, surrealismo y dadaísmo. A inicios de los cuarenta, se centra en temas mitológicos relacionados con el subconsciente, llegando a la abstracción a partir de una figuración simbolista con raíces en la iconografía indiana y en el carácter expresionista de los muralistas mejicanos. A partir de su formulación madura se mantuvo inalterable: formas abstractas quebradas, como recorridas por una fuerza emotiva, que se suspenden en el espacio de la tela. Basándose en la filosofía de Nietszche, el color en su obra es de fuertes contrastes simbólicos en negros y blancos, alternados con un colorido más vibrante. A partir de 1946 su pintura es totalmente abstracta y de gran formato, sobre el lienzo grande manchas de color, generalmente negras o púrpura, con bordes imprecisos y rasgadas por verticales en forma de relámpagos ocupando un espacio mínimo y haciendo del cuadro una pequeña parte de un todo posible. Still obtiene su tensión del contraste entre las grandes superficies y la pintura oscura y con texturas, en la que se insertan franjas estrechas y afiladas de color más claro. El dramatismo en la obra de Still al contrario que las obras de otros pintores de la pintura de campos de color, se retira hacia el interior de la imagen debido a la moderación de los gestos, pero sin embargo, se transmite una vibración y un vitalismo cargado de emoción. Renuncia a la belleza y a la decadencia europea y busca la pureza extrema de la pintura. No titula sus cuadros para evitar contaminaciones con otros géneros, según expresa el mismo: “No me van los signos. Los símbolos o las alusiones literarias en la pintura. Son muletas para ilustradores y políticos que esperan tener una audiencia.”
En la década de los treinta, Clyfford Still inspirado por los trabajos de Cézanne y Van Gogh, pinta figuras y paisajes abstractos, y en sus primeras obras aparecen muchas influencias, del cubismo, surrealismo y dadaísmo. A inicios de los cuarenta, se centra en temas mitológicos relacionados con el subconsciente, llegando a la abstracción a partir de una figuración simbolista con raíces en la iconografía indiana y en el carácter expresionista de los muralistas mejicanos. A partir de su formulación madura se mantuvo inalterable: formas abstractas quebradas, como recorridas por una fuerza emotiva, que se suspenden en el espacio de la tela. Basándose en la filosofía de Nietszche, el color en su obra es de fuertes contrastes simbólicos en negros y blancos, alternados con un colorido más vibrante. A partir de 1946 su pintura es totalmente abstracta y de gran formato, sobre el lienzo grande manchas de color, generalmente negras o púrpura, con bordes imprecisos y rasgadas por verticales en forma de relámpagos ocupando un espacio mínimo y haciendo del cuadro una pequeña parte de un todo posible. Still obtiene su tensión del contraste entre las grandes superficies y la pintura oscura y con texturas, en la que se insertan franjas estrechas y afiladas de color más claro. El dramatismo en la obra de Still al contrario que las obras de otros pintores de la pintura de campos de color, se retira hacia el interior de la imagen debido a la moderación de los gestos, pero sin embargo, se transmite una vibración y un vitalismo cargado de emoción. Renuncia a la belleza y a la decadencia europea y busca la pureza extrema de la pintura. No titula sus cuadros para evitar contaminaciones con otros géneros, según expresa el mismo: “No me van los signos. Los símbolos o las alusiones literarias en la pintura. Son muletas para ilustradores y políticos que esperan tener una audiencia.”
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